ROSAS ROJAS (IMAGINE YOU & ME)

Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, y pese a no suscribir el dicho -solo hay que pensar en El Imperio contrataca, la segunda parte de El Padrino o Indiana Jones y el Templo Maldito-, hay que reconocer que en el caso de la Ealing, productora británica a la que debemos títulos como El quinteto de la muerte, Oro en barras o El hombre del traje blanco, se ajusta a la perfección. En su esperado regreso, tras 40 años de inactividad, ha dejado atrás el espíritu lúdico, la gracia aguda y el gusto por el absurdo, y en su lugar han tomado por bandera una subversión amable o el revisionismo fácil de obras literarias en títulos como La importancia de llamarse Ernesto.

En el caso de Rosas rojas -me quedo con el título original: Imagine me & you -, el espíritu de la mítica productora tan solo se reconoce en un personaje secundario, el del amargado y entrañable padre de la novia, en cuyos diálogos brilla de tanto en tanto la gracia ácida que años atrás fue su sello distintivo. Por lo demás, la película pasaría por una comedia romántica más, anodina e insulsa, apoyada en unos personajes incapaces de sacar a flote una trama convencional, con la salvedad de presentar de forma natural la historia de amor entre dos mujeres.

Único mérito, si es que podemos llamarlo así, de una comedia que plantea la eterna y ya cansina cuestión de si existe el amor primera vista, presentándolo como una fuerza imbatible a la que solo puede hacerse frente cediendo, como se encargan en recalcar en reiterados diálogos (no vayamos a perdernos). En cuanto a Piper Perabo, la antigua camarera del Bar Coyote no acaba de amoldarse a su nueva condición de recién casada enamorada de la decoradora floral de su boda, y pasea su mirada perdida e inexpresiva por los superficiales recovecos del filme.

El resto de los personajes, encorsetados en estereotipos que van desde el novio perfecto, pasando por su mejor amigo, un crápula con corazón de oro, la madre sarcástica y mandona o la hermana redicha, recitan sin gracia diálogos demasiado manidos.

Pese a todo, una comedia amable, con un buen arranque salpicada de momentos bastante ridículos, pero que por su simplicidad de planteamientos y su tono ligero no deja de ser una buena propuesta para la sobremesa de domingo.

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RADIOGRAFÍA DE UN FRACASO

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El reencuentro de un grupo de amigos en una masía abandonada, idílico refugio en el que compartieron sueños e ilusiones durante la década de los 70, sirve de excusa a Roger Gual para plasmar en Remake la amargura existencial de unos individuos unidos por un denominador común: el fracaso.

Un fracaso que han trasmitido a sus hijos, testigos de sus excesos disfrazados de rebeldía y forzados a crecer ante el triste espectáculo de su progresiva adaptación a un sistema que les hizo sustituir el hachís por el prozac, los sueños de libertad por un consumismo feroz, el idealismo por un cinismo cruel teñido de amargura.

Combinando un naturalismo descarnado con imágenes rodadas en Super8, el director catalán retoma el esquema argumental de su ópera prima, la comedia coral Smoking Room, y con una mirada entre irónica y desencantada muestra el malestar generacional y el resentimiento enquistado de un grupo de personajes egoístas e inmaduros, incapaces de asumir sus errores y de mostrar la mínima solidaridad o compasión hacia los demás.

Sobria y descarnada, la película se apoya en un excelente reparto encabezado por Juan Diego, Silvia Munt, Marta Etura, Eusebio Poncela y Gustavo Salmerón, elenco de actores que soporta todo el peso de la trama y que dota de credibilidad a unos personajes lastrados por algún exceso de guión.

Tomando como referencia películas de encuentros y desencuentros como Los amigos de Peter o En la ciudad, Remake retrata la traumática toma de conciencia de una generación desencantada, que ve con impotencia como sus hijos están abocados a repetir sus mismos errores, a malvivir en un mundo todavía más injusto, esclavizados por una hipoteca y con el único consuelo de disfrutar de una vejez digna sustentada en la promesa de un dudoso plan de pensiones.

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BIENVENIDO A CASA: LA CUENTA ATRÁS

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Tras ocho años de feliz relación, Eva (Pilar López de Ayala) y Samuel (Alejo Sauras) emprenden el difícil camino de la convivencia. Poco a poco, comenzarán a aflorar las inseguridades, los miedos y las dudas, que cobran fuerza con los celos y arrebatos histéricos de una madre posesiva, los maliciosos comentarios de los nuevos compañeros de Samuel y, sobre todo, con el anuncio de su próxima paternidad.

Como en su ópera prima, David Trueba vuelve a situarse al final de una etapa. Si en La Buena Vida el joven protagonista disfrutaba de los últimos días de una infancia acolchada; en Bienvenido a casa, Samuel se debate en el umbral del mundo adulto, tomando fuerzas para dar el gran salto, para abandonar definitivamente el amor juvenil, sin ataduras ni cargas.

En esta comedia coral, sentimental, por momentos grotesca, Trueba buceará en los entresijos de la vida en pareja y desplegará toda una serie de teorías dispares sobre el amor, la infidelidad, o la maternidad a través de los nuevos compañeros de trabajo de Samuel. Un elenco de seres estrafalarios y entrañables que funcionará en el filme como una especie de coro griego que acrecentará con sus comentarios las dudas del protagonista. Sandra (Ariadna Gil), la redactora de sucesos, cínica y descreída; Lucas (Jorge Sanz), periodista deportivo, misógino y hedonista; Contra (Julián Villagrán), un periodista económico revolucionario, capaz de resolver el problema del hambre en el mundo pero incapaz de cambiar una bombilla, y Félix (Juan Echanove), un crítico de cine ciego, que vive con la única compañía de su perra lazarilla, también ciega.

Como en sus novelas, Trueba conjuga lirismo y un humor descarnado para construir un guión preciso y ajustado. Una película ácida, por momentos amarga que peca sin embargo de algún exceso de ingenio que rompe la espontaneidad de sus personajes, diálogos forzados y estereotipos que restan naturalidad a la historia. Excesos de poca importancia si tenemos en cuenta la sutileza con la que plasma los últimos coletazos del amor juvenil, la traumática toma de responsabilidades, la difícil conservación del "misterio", ahogado en las rutinas de la vida en pareja.

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A SANGRE FRÍA

A sangre fría inauguró un nuevo género que Capote bautizó en su día como “non fiction novel”. El minucioso relato del asesinato de cuatro miembros de una familia en Holcomb, un pueblo perdido de Kansas, y la posterior ejecución de los culpables, consagró definitivamente a su autor, elevando su novela a la categoría de clásico desde el mismo momento de su publicación.

Hoy, medio siglo después, Bennett Miller se sirve de los recursos extraidos de su experiencia como documentalista para mostrar con igual detenimiento que Capote en su obra, todos los pormenores de su gestación. Philip Seymour Hoffman se pone en la piel de un Capote frívolo, petulante y ambicioso, un “Capote enamorado de sí mismo”, como lo define su amiga Harper Lee, personaje interpretado por Catherine Keener en el filme.

A lo largo de dos horas asistimos como testigos a las largas y minuciosas investigaciones que el autor llevó a cabo con los protagonistas reales de la historia. En concreto, las conversaciones que mantiene con uno de los inculpados, Perry Smith, con el que dice sentir una conexión especial: “Es como si nos hubiésemos criado en la misma casa”, explica en un momento del filme, y añade: “Solo que él sale por la puerta pequeña y yo por la grande”.

Esta última frase encierra la clave de la película de Miller. El director concentra toda su benevolencia y compasión en los acusados, y muestra sin tapujos la sangre fría con la que Capote utilizó a los presos para conseguir notoriedad. Convertidos en personajes de su obra, su ambición le hará desear su ejecución, único final posible de la historia. No dudará en emplear todo tipo de artimañas para lograr sus objetivos, llegando a engañarles con falsas promesas de libertad y a señalar como único fin de la obra el de "devolverlos al reino de la humanidad".

Tomando como punto de partida un capítulo oculto en la vida del autor, Miller traza un certero perfil de una de las figuras literarias más relevantes del último siglo. Luces y sombras de un hombre lleno de inseguridades y miedos, atormentado por una infancia vagabunda y solitaria, y sometido a fuertes depresiones que se agudizarían tras la publicación de esta obra: "Escribir este libro no me resulto tan difícil como tener que vivr con él", confesó en una ocasión. Fue su última obra, el epígrafe de la inacabada Plegarias atendidas, es revelador del daño emocional que le causó su redacción: "Se derraman más lágrimas por plegarias atendidas que por las no atendidas".
Sobria, dura, sin desahogos ni concesiones, la película se sustenta en las brillantes interpretaciones de sus actores principales, que consiguen dotar de credibilidad a un filme solo recomendable para interesados en la figura del autor que dijo de sí mismo: "Soy alcohólico. Soy drogadicto. Soy homosexual. Soy un genio".

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AL OTRO LADO DEL RIO

El cádaver de un pastor mexicano es desenterrado por unos coyotes en las áridas tierras de Texas. Su cuerpo presenta dos heridas de bala. Tratando de tapar el asunto, la guardia fronteriza se apresura enterrarlo de nuevo, con un sencillo epitafio: aquí descansa Melquíades, mexicano.

El capataz del rancho (Tommy Lee Jones), un loco solitario que encontró en el pastor mexicano a su único amigo, no está dispuesto a permitir que Melquíades (Julio César Cedillo) caiga en el olvido, convertido en una víctima más del racismo que amenaza a los habitantes de las aldeas chicanas que se aventuran a cruzar Río Grande en busca de prosperidad.
Este es el arranque de la ópera prima de Tommy Lee Jones, un viaje que tiene como destino Jiménez. El pueblo de origen de Melquíades, una aldea mexicana con ecos de Comala. Lugar que simboliza todos sus sueños y ansias de arraigo, y en el que Pete, el capataz, pretende enterrarlo.


Para lograr su objetivo y vengar a su amigo, secuestrará a Mike Norton (Barry Pepper), el joven policía responsable de los disparos que acabaron con su vida. Le obligará a desenterrar y cargar el cadáver y a vestir sus ropas. Ambos emprenderan un viaje de descubrimiento, de aprendizaje y de penitencia. Una auténtica odisea enmarcada en los desérticos paísajes fronterizos, en la que ambos se descubrirán y purgarán sus culpas al contacto de las gentes que encontrarán en el camino: un anciano ciego que espera el regreso de su hijo enfermo de cáncer, una cuadrilla que comparte con ellos la comida, una joven curandera que salvará al patrullero pese a conservar en la piel el recuerdo de sus golpes...

La humanidad de las gentes del otro lado del rio contrastará con la intolerancia, mezquindad e intransigencia del territorio texano. Historias mínimas, representadas por personajes apenas perfilados más allá de su patetismo. Gentes enclavadas en una zona sin destino, atrapados en vidas rutinarias y sin horizontes, empujados al sexo más degradante y abocados a una violencia incubada en soledad.
Es en el retrato de estas vidas anodinas y huecas en donde es más patente el sello de Guillermo Arriaga -guionista de Amores perros y 21 Gramos-. Saltos temporales, paralelismos y toda la parafernalia que acompaña sus filmes están presentes en la primera parte de la película.

En cambio, para las vivencias al otro lado del rio Arriaga opta por la narración lineal, dominada por los silencios y la fotografía Chris Menges, que capta el lirismo de los áridos desiertos de la frontera. Luminosa y colorista, en ocasiones cálida, su fotografía no renuncia sin embargo a mostrar con crudeza los aspectos más escabrosos de la historia.

Los tres entierros de Melquíades Estrada es un buen intento de mostrar la realidad fronteriza, y se basa en la historia real de un joven mexicano asesinado por las autoridades estadounidenses. Tommy Lee Jones rinde en ella un sincero homenaje a las "espaldas mojadas" que malviven en la frontera, como Melquíades, un joven "lleno de sueños, al que le hubiera gustado vivir en su tierra, pero que se ve alejado de ese sueño por las circunstancias. Un hombre sentimental y reflexivo, que merece respeto y no que lo maten como a un perro".

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PARTE METEREOLÓGICO DE GORE VERBINSKI

Dirección: Gore Verbinski.
Interpretación: N. Cage, M. Caine, Hope Davis.
Guión: Steven Conrad.
Música: Hans Zimmer.
Fotografía: Phedon Papamichael.

El mundo afectivo de David Spritz (Nicolas Cage), el hombre del tiempo más popular de Chicago, se cubre de negros nubarrones justo cuando atraviesa su mejor momento profesional.
"Hello America", un programa matutino de ámbito nacional, se plantea ficharle, lo que supondría entre otras cosas, ganar en popularidad al mismísimo Bob Esponja.
Pero un divorcio difícil, la enfermedad de su padre (Michael Caine) y una tensa relación con los hijos nublan tan halagüeñas perspectivas.
A la espera del anticiclón, mientras las finas capas de hielo entrechocan en la costa, David tratará de poner orden en su vida. Tempestades, lluvias intermitentes y chubascos aislados le acompañarán a lo largo de su periplo sentimental y le harán caer en la cuenta de que la vida, como el tiempo, es imprevisible.

En mi opinión, la mejor película de Verbinski. Lástima que en ocasiones pierda ritmo, y que en los diálogos se deslicen algunas frases demasiado sentenciosas.

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THE JACKET

Dirección: John Maybury. Intérpretes: Adrien Brody, Keira Knightley, Kris Kristofferson, Jennifer Jason Leigh. Guión: Massy Tadjedin. Fotografía:Peter Deming. Música: Brian Eno.

Tras profundizar en la vida del atormentado artista Francis Bacon en"El amor es el demonio", John Maybury nos introduce en la mente de Jack Starks, un excombatiente de la guerra de Irak (Adrien Brody) aquejado de serios trastornos mentales, que es sometido a un espeluznate tratamiento por el doctor (Kris Kristofferson) del hospital psiquiátrico en el que permanece ingresado.
Como efecto secundario del tratamiento, el protagonista tendrá acceso a una información privilegiada: la fecha exacta de su muerte.
En la misma línea de películas como "Memento", el film explora la enfermiza mente del personaje principal. Para ello se sirve de saltos temporales, planos distorsionados, encuadres arriesgados y toda la galería de efectos propia del cine pretendidamente innovador.
Hay películas en las que estos alardes técnicos están acompañados de un guión original, un cuidado diseño de personajes, y en la que todos sus elementos se rigen por las leyes básicas de la coherencia y la verosimilitud. "Olvídate de mí" o "Memento" (aunque esta última tiene algún "exceso post-Lynch") son buenos ejemplos de ello.
Pero en otras ocasiones tras un envoltorio rupturista se esconde una historia convencional, apoyada en personajes planos y diálogos poco ocurrentes y sobradamente pretenciosos ("El Cubo").
"The Jacket" se encuentra a medio camino entre ambas posibilidades. Por momentos, original e innovadora, no tarda en perder fuelle en secuencias en las que el diseño rompedor intenta disfrazar sin éxito una historia predecible y sensiblona.

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CRASH

Dirección:Paul Haggis Intérpretes: Matt Dillon, Thandie Newton, Sandra Bullock Guión: P.Haggis, Robert Moresco Fotografía: James Muro Música: Mark Isham Título original: Crash
Un malentendido, un accidente de tráfico, o el asalto a una tienda, bastan para prender la mecha de la intolerancia y liberar al xenófobo que llevamos dentro. Y más en una ciudad multirracial como Los Ángeles, con las heridas del 11-S a flor de piel.
Al menos esa es la tesis que defiende Paul Haggis, y para demostrarlo sus personajes colisionarán una y otra vez, como bolas de billar sobre el tapete, hasta hacernos pensar que la película más que en Los Ángeles transcurre en un pueblo minúsculo, por qué las licencias poéticas tienen un límite, ¿no?, ¿cómo es posible que que esta gente no pare de cruzarse una y otra vez? (un caso concreto que no voy a citar por no destriparos la peli despertó más de una carcajada en la sala, pese a su dramatismo).
Pero esas licencias tendrían su pase si Paul Haggis demostrase algo más de sutileza a la hora de presentarnos a los personajes, en lugar de recurrir a los manidos estereotipos, sangrantes en ocasiones, como en el caso de la mujer oriental -hay que reconocer que el doblaje tampoco ayuda-. También me pregunto por qué el árabe se transforma de repente en persa, y prefiero no pensar en el mensaje oculto de cierta secuencia en la que confluyen el "persa", un arma y la bandera de EEUU.
Pero bueno, no todo es malo. Hay que destacar el buen trabajo de los actores , salvo en el caso de la "agente especial" más demencial de cuantas a engendrado la industria cinematográfica norteamericana, que persiste en su manía de no mover un solo músculo de su cara, no vayan a salirle arrugas (¡qué sería si no de la "miss-poli" más rentable de todos los tiempos!)
También hay que decir que en los momentos en que asistimos a las miserias ocultas de los personajes, Paul Haggins recupera el pulso, y nos recuerda que estamos ante el guionista de "Million Dollar Baby". Diálogos ocurrentes cargados de humor negro, y algunas escenas en las que la tensión contenida y el odio subterráneo estallan sin ruido, sin cámaras lentas, salvan a esta película de ser un folletín absurdo, pretencioso y efectista.

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