Dicen que segundas partes nunca fueron buenas, y pese a no suscribir el dicho -solo hay que pensar en El Imperio contrataca, la segunda parte de El Padrino o Indiana Jones y el Templo Maldito-, hay que reconocer que en el caso de la Ealing, productora británica a la que debemos títulos como El quinteto de la muerte, Oro en barras o El hombre del traje blanco, se ajusta a la perfección. En su esperado regreso, tras 40 años de inactividad, ha dejado atrás el espíritu lúdico, la gracia aguda y el gusto por el absurdo, y en su lugar han tomado por bandera una subversión amable o el revisionismo fácil de obras literarias en títulos como La importancia de llamarse Ernesto.

En el caso de Rosas rojas -me quedo con el título original: Imagine me & you -, el espíritu de la mítica productora tan solo se reconoce en un personaje secundario, el del amargado y entrañable padre de la novia, en cuyos diálogos brilla de tanto en tanto la gracia ácida que años atrás fue su sello distintivo. Por lo demás, la película pasaría por una comedia romántica más, anodina e insulsa, apoyada en unos personajes incapaces de sacar a flote una trama convencional, con la salvedad de presentar de forma natural la historia de amor entre dos mujeres.

Único mérito, si es que podemos llamarlo así, de una comedia que plantea la eterna y ya cansina cuestión de si existe el amor primera vista, presentándolo como una fuerza imbatible a la que solo puede hacerse frente cediendo, como se encargan en recalcar en reiterados diálogos (no vayamos a perdernos). En cuanto a Piper Perabo, la antigua camarera del Bar Coyote no acaba de amoldarse a su nueva condición de recién casada enamorada de la decoradora floral de su boda, y pasea su mirada perdida e inexpresiva por los superficiales recovecos del filme.

El resto de los personajes, encorsetados en estereotipos que van desde el novio perfecto, pasando por su mejor amigo, un crápula con corazón de oro, la madre sarcástica y mandona o la hermana redicha, recitan sin gracia diálogos demasiado manidos.

Pese a todo, una comedia amable, con un buen arranque salpicada de momentos bastante ridículos, pero que por su simplicidad de planteamientos y su tono ligero no deja de ser una buena propuesta para la sobremesa de domingo.

Un fracaso que han trasmitido a sus hijos, testigos de sus excesos disfrazados de rebeldía y forzados a crecer ante el triste espectáculo de su progresiva adaptación a un sistema que les hizo sustituir el hachís por el prozac, los sueños de libertad por un consumismo feroz, el idealismo por un cinismo cruel teñido de amargura.

Combinando un naturalismo descarnado con imágenes rodadas en Super8, el director catalán retoma el esquema argumental de su ópera prima, la comedia coral Smoking Room, y con una mirada entre irónica y desencantada muestra el malestar generacional y el resentimiento enquistado de un grupo de personajes egoístas e inmaduros, incapaces de asumir sus errores y de mostrar la mínima solidaridad o compasión hacia los demás.

Sobria y descarnada, la película se apoya en un excelente reparto encabezado por Juan Diego, Silvia Munt, Marta Etura, Eusebio Poncela y Gustavo Salmerón, elenco de actores que soporta todo el peso de la trama y que dota de credibilidad a unos personajes lastrados por algún exceso de guión.

Tomando como referencia películas de encuentros y desencuentros como Los amigos de Peter o En la ciudad, Remake retrata la traumática toma de conciencia de una generación desencantada, que ve con impotencia como sus hijos están abocados a repetir sus mismos errores, a malvivir en un mundo todavía más injusto, esclavizados por una hipoteca y con el único consuelo de disfrutar de una vejez digna sustentada en la promesa de un dudoso plan de pensiones.

Como en sus novelas, Trueba conjuga lirismo y un humor descarnado para construir un guión preciso y ajustado. Una película ácida, por momentos amarga que peca sin embargo de algún exceso de ingenio que rompe la espontaneidad de sus personajes, diálogos forzados y estereotipos que restan naturalidad a la historia. Excesos de poca importancia si tenemos en cuenta la sutileza con la que plasma los últimos coletazos del amor juvenil, la traumática toma de responsabilidades, la difícil conservación del "misterio", ahogado en las rutinas de la vida en pareja.

-Pero queridísima tía Aby, ¿cómo puedo creerte?. Hay doce cadáveres enterrados en el sótano y tú admites haberlos envenenado
-Si, pero no creerás que me rebajaría a decir una mentira.
-Mortimer, tienes que quererme también por mi mente
-Querida, cada cosa a su tiempo.

(Arsénico por compasión)

Santa Mónica rindió homenaje este fin de semana a los protagonistas de algunas de las más recordadas series televisivas.
Cita a la que no podían faltar Diane Chambers (Shelley Long) y Sam Malone (Ted Danson), juntos de nuevo tras 24 años de separación.
Todo un reencuentro en el que seguro que algún nostálgico gritó eso de ¡¡¡NOOOOOORM!!!

Tommy Lee Jones y Javier Bardem serán los protagonistas de No Country for Old Men, adaptación de la novela homónima de Cormac McCarthy traducida al español como Todos los caballos bellos.
El film, escrito y dirigido por los hermanos Coen comenzará a rodarse en mayo en México y Texas, y narra las aventuras de un ex combatiente del Vietnam perseguido por dos peligrosos asesinos.
Tras las decepcionantes Ladykillers y Crueldad intolerable esperemos que los Coen retomen el espíritu Lebowsky en este thriller fronterizo con tintes negros.

La autora rinde en él un emotivo homenaje al primer paisaje que conserva en sus retinas, el que atisbó en su primera niñez a través de las ventanas de su casa en Aldealseñor, pueblo perdido en los páramos de Soria.

Fue la última en venir al mundo en la aldea, y no tardó en emigran con toda su familia. Treinta años después regresa a su origen para retratar a sus últimos pobladores y asistir al último capítulo de su historia. Solo quedan 14 habitantes, entre los sesenta y ochenta años. Son la última generación.

Durante un año, Álvarez ha filmado el día a día de los vecinos, sus charlas triviales en la plaza o en el cementerio. Los pequeños acontecimientos extraordinarios que rompen su rutina, como la ruidosa intromisión de unos coches en campaña electoral, o el encuentro de un ex funcionario marroquí y un atleta tunecino en un cruce de caminos. El cielo gira, y poco a poco todo va cambiando, y el tañir de las campanas se mezcla con las emisión de una radio que informa del aplastamiento del pueblo kurdo en Iraq.

Se trata de un intento de capturar la esencia del pueblo antes de que todo se esfume, de detener el proceso final en una pintura en el que convivan pasado, presente y futuro. Un lienzo en el que se atisben entre las ruinas romanas y los castros celtíberos, los molinos eólicos que rompen con sus siluetas la simetría de las amplias llanuras, o el esqueleto de un hotel prefabricado asomando entre las piedra de un palacio de orígenes inciertos.

Para describir el proceso lento e inexorable de desaparición, la directora establece un paralelismo entre la situación del pueblo, y la pintura de Pello Azketa, a quien una enfermedad ha ido dejando sin vista poco a poco. Los vecinos de la aldea y el artista pamplonés tienen algo en común: las cosas han comenzado a desaparecer ante sus ojos. A través de los paisajes sorianos intuidos por el pintor asistimos a la paulatina desaparición de un mundo.

Como los cuadros de Azketa, la autora se sitúa a medio camino entre la fidelidad documental y la evocación lírica, y compone un poema visual que, como la vida en Aldealseñor, trascurre con calma, sin prisa.